Алексей Венецианов

С именем Алексея Гавриловича Венецианова (1780—1847) неразрывно связано представление о художнике-новаторе, неустанном пропагандисте реалистического метода в русском искусстве первой половины XIX века, певце народной жизни. Венецианов положил начало отечественной школы бытового жанра.

Отдельные произведения бытового жанра существовали и до Венецианова. В XVIII веке — М. Шибанов, И. Фирсов, И. Ерменев и другие художники, в начале XIX века — А. Орловский, О. Кипренский и В. Тропинин обращались к изображению народных сцен, создавали образы простых людей. Но их работы имели эпизодический характер и не дали основательной традиции. Только Венецианов, последовательно и настойчиво работавший над темой жизни русского крестьянства, поднял искусство бытового жанра до высот большого художественного явления.

Не сразу Венецианов нашел путь к самобытности творческого метода. Ранние его работы свидетельствуют о несомненном интересе к портретной живописи, о тяготении к романтической традиции.

Важным этапом в творческом развитии художника стал исполненный в 1811 году «Автопортрет», программная работа художника, в которой проявились его новые творческие искания, новый подход к трактовке образа человека. К зрителю обращено серьезное, несколько напряженное лицо художника, поглощенного работой. Внимателен взгляд темных глаз. Деловито и строго написан портрет: образ здесь не романтизирован, не приукрашен. Вглядываясь в него, можно увидеть, как правдиво передал художник морщины на лице, начинающие седеть волосы. В этой точности, подчас безжалостности, в отказе от внешней эффектности — сознание собственного достоинства, понимание задач реалистического портретного искусства.

В 1811 году за «Автопортрет» Венецианов был удостоен Академией художеств звания «назначенного»; в том же году им было получено звание академика за портрет инспектора Академии художеств К. И. Головачевского с  воспитанниками.

Особенности этой композиции были определены заранее: портрет должен был быть парадный. Именно поэтому Венецианов изобразил Головачевского в плаще и мундире с орденом на груди. Воспитанники Академии, которым старый инспектор что-то благожелательно объясняет, указывая на книгу, воплощают «три знатнейшие художества». Один из них, справа, с папкой в руках — представитель живописного искусства, другой, с циркулем — архитектурного, в глубине — мальчик с инструментами скульптора. Венецианов сумел, не нарушая торжественности и парадности, с теплотой и задушевностью передать в портрете встречу «старой Академии» в лице Головачевского с молодой порослью. Художнику удалось объединить группу из четырех фигур в единое целое, связав их между собой жестами, взглядами, поворотами голов. Прекрасно найден ритм мягких закругленных линий, на которых строятся силуэты фигур. Благородство цветовой гармонии, построенной на сочетании насыщенных светло- и темно-коричневых, темно-зеленых тонов, способствует выразительности этого портрета, заслужившего высокую оценку современников.

Получив признание, Венецианов неожиданно для всех в возрасте сорока лет оставил столицу, службу, Академию и уехал в свое имение, чтобы всецело посвятить себя жанровой живописи. Повышенный интерес передовой части русского общества к народу, вынесшему на своих плечах всю тяжесть Отечественной войны 1812—1814 годов, рост национального самосознания оказали несомненное влияние на это решение.

Жизнь в деревне, изучение деревенской действительности способствовали обращению Венецианова к новому методу работы. Крестьянская тема и раньше волновала художника (еще в 1810-х годах им были написаны картины, посвященные образам крестьян), но именно в Сафонкове, в тесном соприкосновении с жизнью простых людей, эта тема становится ведущей и на долгие годы определяет характер творческих исканий Венецианова.

В 1820—1821 годах художник пишет картину «Гумно». Побудительным мотивом к ее созданию, как сообщает сам художник, было знакомство с картиной Франсуа Гране «Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме»,

находящейся в Эрмитаже. «Сия картина, — писал художник, — произвела сильное движение в понятии нашем о живописи. Мы в ней... увидели изображение предметов не подобными, а точными, живыми; не писанными с натуры, а изображающими самую натуру... Некоторые Артисты уверяли, что в картине Гране фокусное освещение причиною сего очарования, и что полным светом, прямо освещающим, никак невозможно произвести сего разительного оживотворения предметов, ни одушевленных, ни вещественных. Я решился победить невозможное... Для успеха в этом, мне надобно было совершенно оставить все правила и манеры, чтобы ничего не изображать иначе, чем в натуре является, и повиноваться ей одной, без примеси манеры какого-нибудь художника...» Из этих слов нетрудно убедиться, что Венецианова увлекло желание не подражать этой картине, а превзойти ее. Он решил передать пространство в условиях обычного освещения, без применения эффекта сильного света.

В картине «Гумно» изображенный изнутри сарай освещен ровным, спокойным, рассеянным светом. Взгляд зрителя от фигур крестьян, сидящих на первом плане, следует дальше. Этому способствует ритм уходящих в глубину бревен. Каждый отрезок расстояния отмечен художником на первый взгляд незначительными, но очень существенными для передачи перспективы деталями: метла и грабли на первом плане, фигура мужчины, куча зерна и лошадь в центре, телега в глубине и т. д. Художник точно и бесхитростно следует натуре, он внимателен ко всем ее проявлениям. Крестьяне в его картине позируют, и Венецианов не скрывает этого. Они специально приоделись, на женщинах — нарядные сарафаны, белые кофты, на мужчинах — чистые армяки. Несмотря на скованность движений, они сохраняют жизненное правдоподобие. Венецианов еще не связывает фигуры единым действием или сюжетом. Главное для него — верно изобразить натуру. В обыденных предметах крестьянского быта Венецианов умеет найти особую прелесть. Он любовно и внимательно передает внутреннее пространство гумна. Первый план освещен ровным светом, далее — там, где освещение должно затухать, с улицы через открытую дверь слева врывается поток дневного света; в глубине — снова яркий свет. Переходы от освещенных участков дощатого пола к затемненным очень постепенны. Тени в картине прозрачны — это результат тонких наблюдений художника на натуре. Работа над картиной «Гумно» стала настоящей школой для Венецианова. Но художник продолжал настойчиво совершенствовать свое мастерство.

Одновременно с этим полотном Венецианов исполнил в технике пастели картину «Чистка свеклы». Здесь впервые художник объединяет персонажей единым действием и настроением. Выдвигая фигуры на первый план, он стремится передать душевное состояние своих героев. Композиция естественна, позы крестьян наблюдены в самой действительности. Благородство колористического решения усиливает выразительность картины.

Программной работой этих лет стала картина «Утро помещицы», изображающая повседневную сцену из жизни помещичьей усадьбы. Действующие лица живут в пространстве естественно и свободно. Лицо помещицы, ее взгляд, ее жест обращены к присевшей на корточки крестьянке, держащей пряжу. Стоящая крестьянка повернула лицо к зрителю, как бы призывая его быть свидетелем этой сцены. Тишиною, уютом, покоем веет от этого произведения, в котором художник запечатлел жену Марфу Афанасьевну и крепостных крестьянок из своего небольшого имения. Изображая крестьянок, Венецианов подчеркивает их красоту и спокойное достоинство. Он относится к ним с неменьшим уважением, чем к помещице. Вся сцена решена убедительно и по-особому достоверно; художник до мелочей знал эту жизнь со всей ее обстановкой: простой сосновой ширмой, небольшим красного дерева столом, в темном углу статуэтками на комоде, зелеными занавесями на окне. Венецианов тонко разработал характеристику освещения в интерьере, где контрасты света и тени соседствуют с мягкими, еле заметными переходами, что позволило художнику наполнить картину ощущением подлинной жизни.

Колорит картин Венецианова этого периода неизмеримо обогатился. Художник идет от правды самой жизни, передает краски реального мира. Живописная техника Венецианова стала более свободной, непринужденной: он наносит краску мелкими, трепетными мазками, не заглаживая их, не приводя к единообразию красочного слоя, столь характерному для академической живописи. Новое содержание, основанное на глубоком изучении окружающей действительности, Венецианов передавал новыми, более разнообразными и гибкими техническими приемами живописи.

Представленные на выставке 1824 года в Петербурге картины Венецианова были тепло приняты современниками. «Наконец мы дождались художника, который прекрасный талант свой обратил на изображение одного отечественного, на представление предметов его окружающих, близких к его сердцу и нашему...» — писал журнал «Отечественные записки».

В двадцатые годы Венецианов начинает вводить в жанровые картины пейзаж, который, как правило, становится не просто фоном, а той живой, близкой средой, где протекает жизнь героев полотен. Задача гармонического соотношения человека и природы не сразу была решена художником, но попытки в этом направлении предпринимались неоднократно. Достаточно вспомнить многочисленные изображения крестьянских ребятишек среди природы. Наиболее известным среди работ подобного рода по праву считается «Спящий пастушок». Эта картина принадлежит к числу выдающихся созданий русской пейзажной живописи. Пейзаж в этой небольшой картине своей тихой неторопливой жизнью, мудрой чистотой покоряет зрителя. В нем есть то скромное очарование, та неяркая, неприметная на первый взгляд красота, которая так свойственна русской природе средней полосы России. Венецианов запечатлевает в пейзаже то, что его окружало в селе Сафонково, — медленно текущую речку Ворожбу с низкими берегами, пологие холмы, редкие чахлые кусты, одинокие ели, покосившийся сарай — и передает это с такой прочувствованной силой, с таким пониманием извечной прелести родной земли, что пейзаж своей глубокой поэтичностью и искренностью захватывает зрителя. Чувствуется, что природа увидена глазами человека, любящего ее всем сердцем. В пейзаже нет ни одной случайной детали. Для художника все важно и значительно. На первом плане — спящий пастушок, вдали по тропинке медленно движется девушка с ведрами на коромысле, у реки застыл мальчик с удочкой — все это оживляет пейзаж, вносит в него конкретность подлинных наблюдений. Спокойные и плавные ритмы далеких холмов, светлое, с легкими белыми облаками небо, виднеющиеся вдали колосящиеся поля, мягкие сочетания светло-зеленых, голубых, коричневых тонов, на которых строится колорит — все это придает картине особую лиричность и музыкальность. Работа с натуры на открытом воздухе расширила творческие возможности художника, подготовила его к реалистической передаче пространства и воздуха, света и цвета в их взаимодействии.

Не оставляет Венецианов и своего излюбленного портретного жанра. Простые люди постоянно были в центре внимания художника. Он неустанно вглядывался в их лица, постигал характеры. В разнообразных портретных работах Венецианов сумел передать неповторимую индивидуальность и значительность облика русского крестьянина. Обаянием юности, поэтичностью отмечен портрет «Девушка в платке», выдержанный в нежной светло-коричневой гамме. Живой взгляд больших карих глаз, легкая припухлость губ, нежность девичьего лица переданы художником с искренней теплотой и задушевностью.

С подлинной проникновенностью и любовью пишет художник умное тонкое лицо Пелагеи, внимательно и серьезно смотрящей на зрителя. Благородную красочную гамму образует сочетание нежных зеленых и розовых тонов фона со светло-розовыми красками лица, с зеленью косынки.

Свободная, естественная композиция, смелое сопоставление красной косынки, синего сарафана и белой блузы интенсивным краскам пейзажного фона в работе «Девушка с бураком» способствуют созданию образа русской красавицы, полной энергии и силы, достоинства и уверенности в себе.

В картине 1820-х годов «Жнецы» Венецианов дает действующих лиц крупным планом, приближает их к зрителю. Утомленное, некрасивое лицо крестьянки привлекает высокой человечностью, жизненной правдивостью изображения. Рядом с ней смышленый мальчик с загорелым широкоскулым лицом, с пытливым взором. Он замер, любуясь расцветкой крыльев бабочки. Крестьянам доступно глубокое понимание прекрасного, именно на это Венецианов обращает внимание зрителя. Композиция этого полотна отличается серьезностью и продуманностью. Содержание ее раскрывается в ясных и выразительных формах. В левой верхней части и в правой нижней художник помещает серпы, которые как бы замыкают композицию, придавая ей устойчивость и уравновешенность. Поворот головы крестьянки и взор мальчика, устремленный к ее руке, связывают их воедино. Плотные краски способствуют созданию насыщенного художественного образа. Мы ощущаем и тяжелый зной летнего дня, и необъятность стеной стоящей нивы, и охватившее людей чувство сопричастности красоте земли и душевной близости.

Большое место в творчестве Венецианова занимали изображения детей. Жизненной непосредственностью отмечены образы деревенских ребятишек в картинах «Крестьянские дети в поле»

и «Крестьянский мальчик, надевающий лапти». Художник запечатлевает своих юных героев то среди просторов полей, то в обстановке бедной избы. С поразительной серьезностью и уважительностью трактует он детские характеры.

Особенно часто писал Венецианов портреты своих дочерей Александры и Фелицаты. Поэзия и очарование юности в первые же мгновения располагают к себе в воспроизведенном здесь портрете, относящимся к числу лучших в искусстве Венецианова.

Работал Венецианов и над заказными портретами, отличающимися более строгим и официальным характером исполнения. Таков портрет государственного канцлера князя В. П. Кочубея. Самостоятельную ценность в этом полотне приобретает превосходно написанный интерьер большого кабинета с мраморными колоннами, мебелью красного дерева с темно-зеленой обивкой.

Несмотря на возросшее мастерство Венецианова, его упорную работу над картинами и портретами, академические круги с холодным равнодушием относились к художнику. «Бытовой жанр» не считался ими равноправным среди других жанров. Видимо, желая убедить представителей академического лагеря в умении писать обнаженные фигуры, а не только портреты, Венецианов в 1829 году написал картину «Купальщицы».

Здесь он прибегнул к традиционному для Академии сочетанию двух фигур — одной в рост, другой — присевшей и изображенной со спины. Но этим и кончается связь этой композиции с академическими канонами. Купальщицы Венецианова — это обычные русские крестьянки со здоровыми и красивыми телами, сильными огрубелыми руками, чуть покрасневшими коленями. Несмотря на некоторую условность изображения в целом в картине ощущается живое и искреннее чувство.

К концу 1830-х — началу 1840-х годов в работах Венецианова все заметнее становится стремление к созданию образов обобщенных, внешне гармоничных. Величаво красивы, но достаточно отвлеченные образы девушек в картине «Гадание на картах».Колорит картин этого времени приобретает большую насыщенность, пестроту и декоративность по сравнению с прежними вещами.

Некоторые исследователи творчества Венецианова упрекали художника в идеализации крестьянских образов, в том, что он не показал тягот крестьянского труда. В этих случаях полезно вспомнить о целом ряде исторически обусловленных причин, которые художник в то время не мог переступить. Нам гораздо важнее правильно оценить вклад Венецианова в русскую живопись, определить характер его новаторства.

Венецианов одним из первых в отечественной живописи XIX века утвердил в искусстве право закрепощенного человека на изображение, открыл в его существовании высокую духовность и нравственную силу. Эта великая заслуга художника не может быть забыта.

© 2010 — 2011, AKMar. Все права защищены. 

Related Posts

1. Иван Никитин. Два портрета
2. Федор Алексеев, мастер городского пейзажа
3. Малороссийские мастера портрета. Владимир Боровиковский
4. Малороссийские мастера портрета. Дмитрий Левицкий
5. Василий Тропинин